Fine Art Music Show es una nueva sección de la feria destinada a establecer relaciones entre la fotografía y el mundo de la música. A través de la puesta en valor de diferentes fotógrafos, se busca revivir momentos históricos de la música del siglo XX y comprender la importancia de la fotografía en la representación y difusión de destacados artistas musicales a nivel mundial.

Para su primera edición, la artista invitada es Roberta Bayley, una de las principales fotógrafas que sirvió como cronista visual del movimiento de la música punk rock que duró desde mediados de los 70 hasta principios de los 80 en Inglaterra.  Bayley trabajó como recepcionista en la puerta del legendario CBGB, donde se hizo amiga de las figuras más importantes de la escena musical. Entre las estrellas del punk que ha fotografiado allí están Iggy Pop, Blondie, Richard Hell, Elvis Costello,  The Sex Pistols, Johnny Thunders y The Heartbreakers, Joe Strummer, The Ramones, Nick Lowe, The Damned, The Clash, The Dead Boys y The New York Dolls.  Mas tarde comenzó a trabar para la memorable revista “Punk!” como jefa de fotografía y sus trabajos fueron reconocidos apareciendo luego en innumerables publicaciones, entre ellas “Blank Generation Revisited: The Early Days of Punk”, “Please Kill Me: The Census History of Punk”, y “CBGB y OMFUG: Treinta años desde la casa del punk underground”, entre otras.

Bayley co-escribió el libro “Patti Smith: Una biografía no autorizada” con Victor Bockris, y es autora de “Blondie: Unseen 1976-1980”. Sus fotografías han sido exhibidas en ciudades tan importantes como Nueva York, Los Ángeles, Sydney, Austin, París, Portland, Amsterdam, Tokio, Hong Kong, Londres, Ciudad de México y Pittsburgh. El trabajo de Roberta para The Heartbreakers, 1975, y The Ramones, Nueva York, 1976, fue seleccionado para la publicación “Who Shot Rock & Roll” por Gail Buckland y se exhibió en el Brooklyn Museum de la Ciudad de Nueva York en el año 2010. Las imágenes que Gail seleccionó para el libro, The Heartbreakers y The Ramones, se encuentran entre las imágenes más emblemáticas de la historia del punk.

Desde el año 2016 Tijuana Feria de Arte Impreso se lleva a cabo en Buenos Aires por invitación de BAphoto. A través de una colaboración entre las dos ferias, Tijuana centrada en libros de artistas y BAphoto en fotografía y arte contemporáneo, crearon el sector Photobook Tijuana. Así, en cada edición, Tijuana y BAphoto reúnen editoriales que trabajan distintas técnicas gráficas y producen libros de artista, especialmente fotolibros.

Para la fotografía, el fotolibro representa una posibilidad tan transgresora como el libro de artista para el arte contemporáneo.  Transgresora porque refuerza la libertad de expresión, ya que los productores independientes no necesitan la autorización de un sistema sistema, y generan, así, su propio espacio de circulación.

Hacer obras que son libros es vivir en la marginalidad. Es fabricar objetos que no pertenecen ni a galerías, ni a librerías. Por eso las ferias dedicadas a estas editoriales son tan importantes para mantener viva la producción de libros.

Para la presente edición – la 21a siguiendo la secuencia de Ferias Tijuana en São Paulo, Rio de Janeiro, Lima y Buenos Aires – participan 17 editoriales independientes. Durante los días de BAphoto 2018, algunas de estas editoriales presentarán lanzamientos en el auditório y ofrecerán la oportunidad del público para conocerlas más de cerca.   

Editoriales participantes:

• Arquitectura y fantasía (La Plata)
• Asunción Casa Editora (Buenos Aires)
• AZETAguía (Buenos Aires)
• Big Sur® BOOKS (Buenos Aires)
• Cuestión Editora (Buenos Aires)
• Fabrica de cianotipos (Buenos Aires)
• Instantes Gráficos (Buenos Aires)
• LIVRO INVENTADO (Rio de Janeiro)
• La Luminosa (Buenos Aires)
• Lote 42 (São Paulo)
• Nómada Ediciones (Bogotá)
• Proyecto Piraña (Buenos Aires)
• Pulso – Panorama de Publicaciones Independientes (Buenos Aires)
• Revista Balam (Buenos Aires)
• revista contravento (São Paulo)
• tijuana (São Paulo)
• Vaciarte (Buenos Aires)

La idea es evidenciar una cierta fascinación que recorre la historia de la fotografía. La noche como ese lugar enigmático lleno de peligros y placeres, un lugar ansiado y, a la vez, temido, repleto de dolores y violencias. De las primeras placas y exposiciones de la fotografía del siglo XIX, todavía torpes en su cálculo de cuánta luz y cuánta oscuridad necesita una imagen para fijarse, a las escenas de crimen tomadas por Weegee, o las misteriosas composiciones de Brassai, fotografías en blanco y negro que bien podrían parecer escenas de una película noir o un thiller. Para llegar, a partir de mediados del siglo XX, a un tipo de fotografía más subjetiva, de lo íntimo y lo afectivo, en tanto que se fija en amantes y amigos, junto con los efectos que produce el paso del tiempo sobre el cuerpo, cuando no se acerca a personajes a la deriva, monstruosos, que suspenden las reglas de lo normal, una vez que la noche se impone como forma de vida.

Por supuesto, esto hace referencia a la fiesta, especialmente a aquella que continúa la noche cuando está de vuelta la luz y el día, trazando alianzas nocturnas que son para siempre. Pero también a un tipo de terror cósmico que nos recuerda el insignificante papel que protagoniza el ser humano en los misterios que envuelven al Universo y la Vida. Esto es, de qué manera vivimos en la oscuridad frente al imperio de la naturaleza.
En todo caso, se trata de tomar estas ideas como intuiciones posibles, no como algo estricto. Porque no aspiran a convertirse en un vínculo necesario para recorrer Fuera de foco. Se trata, más bien, de una serie de grietas o de una fuga. Algo que parte de un texto del siglo XVI, para acercarse a cómo las prácticas artísticas dejan constancia de un motivo que se sostiene en la historia. Me refiero a la atracción que sentimos por lo oculto, a cómo el deseo de poder y de saber nos arrastran a ciertas pasiones a veces no tan alegres, donde el dolor es una vía para estar en lo que se desea. Recuperando el título de un conocido estudio sobre Romeo y Julieta, The most excellent and lamentable tragedie.   

El Videoproject de este año está configurado como un homenaje a cuatro artistas pioneras en diferentes ámbitos de la producción audiovisual. Cada una de ellas es una referente fundamental y ha dejado una huella indeleble en la historia de nuestro arte, aunque a veces las generaciones más jóvenes parecieran olvidarse de los senderos ya recorridos. La fortuna crítica, la historia del arte y la investigación académica dependen de innumerables avatares y contingencias; por eso, es necesario revisarlas continuamente. Y si bien a ninguna de estas precursoras se les ha negado el reconocimiento que merecen, su contribución, que muchas veces tuvo lugar en los márgenes del circuito institucional, todavía reclama mayor atención y visibilidad.

Las obras seleccionadas cubren un espectro temporal que va desde mediados de la década de los setentas a comienzos de los noventas. Es el lapso que acompaña la transición entre el cine y el video, entre la química y la electrónica, entre las producciones analógicas y digitales. Un período en el que se reflexionó mucho sobre la ontología de lo audiovisual, sobre sus especificidades y sus alcances. En este tiempo, las artes visuales se abrieron también para incorporar numerosas formas no convencionales, como las instalaciones, las performances y las obras tecnológicas. Y en todos estos terrenos comenzaron a aparecer artistas singulares, con exploraciones y poéticas propias, que exigieron repensar las tendencias y categorías. Las cuatro que se presentan aquí pertenecen a este grupo, aunque desde ya, no son las únicas.

Un rasgo común a las piezas de esta exposición es su abordaje del cuerpo femenino. Si bien no todas ellas se encauzan en una perspectiva netamente feminista, lo cierto es que hay una investigación recurrente sobre el placer, la sensorialidad, los roles sociales, el lugar de la mujer en el mundo contemporáneo, su energía y protagonismo, que nos obliga a tomar en cuenta este dato con especial atención.

Marta Minujín utiliza su cuerpo como plataforma para la construcción de un paisaje (Autogeografía, 1976). El filme exalta el goce, la sensorialidad de los materiales (tierra, piedras, arena, semillas, etc.), y la permanente actitud lúdica de la artista que transformó al juego y la participación en ejes de un arte colectivo. Narcisa Hirsch, en cambio, reflexiona sobre el cuerpo femenino y el mandato de la maternidad (Bebés, 1976). Mediante un montaje sugerente – que involucra juguetes, huevos rotos, espacios públicos y privados, danzas frenéticas, textos y fragmentos corporales – la artista erige una ambigua y compleja trama visual que se aparta del tratamiento habitual de la procreación y sus bondades.

En Roles (1988), Graciela Taquini se enfrenta a las categorías que la sociedad ha construido alrededor de su vida. En una performance intensa, que se parece un poco a una tortura, la artista ausculta su cuerpo mientras los roles que la configuran desde el lenguaje se acumulan sobre su carne y sobre su historia. Margarita Bali es una referente de la videodanza argentina. Se presenta aquí con una de sus primeras obras, Paula en suspenso (1993), una bella pieza que conjuga arquitectura y coreografía, y que ubica al cuerpo femenino en el centro de la vida urbana.

Una fotografía recuperada de un álbum familiar, un afiche en el espacio público, una instantánea de un paisaje inexplorado, una película perdida, una foto doblada, intercambiada, borrada. Se trata de pensar en la dimensión objetual de la imagen, en su carácter de cosa material, que se potencia en la tensión actual con la imagen virtual.

Esta exposición reúne un conjunto de obras con el pretexto de interrogar los modos en que las imágenes configuran nuestra experiencia de lo real. Cuestionando el fundamento de la fotografía y las relaciones que establecemos con la imagen técnica, abre interrogantes sobre los límites entre realidad y ficción, un problema que es inherente al medio fotográfico y su potencial uso como documento. Puesto esto en discusión, las obras disuelven esa falsa dicotomía y habilitan nuevas formas de visualidad. Exhiben las fronteras entre lo real y lo imaginario, buscando los espacios intermedios, móviles, que asoman en los bordes del lenguaje, en las relaciones entre la imagen y la palabra.

En el esfuerzo de otorgar una apariencia incluso a lo irrepresentable, las obras problematizan el lugar de lo visual en nuestras sociedades contemporáneas. Tensionando el presente, entre posibles futuros y pasados reimaginados,  superponen múltiples temporalidades. Actúan como operaciones incisivas que minan el campo establecido de lo fotográfico desde la particularidad que cada obra propone.

SPECIAL ROOMS

Special Rooms es un programa para galerías internacionales, invitadas por un curador a partir de una propuesta de exhibición específica, con el objetivo de ampliar los horizontes de la feria establecer nuevos vínculos entre el campo fotográfico local y la escena artística internacional.

Wunderkamer es un nuevo sector de la feria dedicado a la fotografía patrimonial, que tiene como objetivo destacar el trabajo de diferentes agentes especializados en poner en valor material fotográfico de carácter histórico y documental. Wunderkammer hace énfasis en los inicios de la fotografía en sus diferentes materialidades, procesos tecnológicos y usos sociales; asumiendo el desafío de estimular un nuevo tipo de coleccionismo en emergencia.

Artistas Exhibidos en BAP: Cayetano Blanco; Florencio Bixio; Federico Brunel; Martín Chambi; Juan M. Chanfrau; Chute & Brooks; Fleurquin & Cia; Juan C. Guarneri; Arquímedes Imazio; Desiderio Jouant; Christiano Junior; L. Miaualt; John Fitz Patrick; Antonio Pozzo; Mateo Ricciardi; Samuel Rimathé; C. Rodríguez (Fotografía Oriental); Max T. Vargas; Hermanos Vargas; Ag. A. Vera, Juan F. Villa.

• Wanting to Meet Robert Frank / Damasia García del Solar
• Qué es ser alguien? / Dana Balajovsky 
• Infancia proyectada / Eduardo Longoni 
• Historia de una Lata / Eric Markowski 
• La Métrica y la lágrima / Marcos Goymil 
• La escuela habitada / Maria E. Hechen 
• Mario. Saved Calls  / Martín Weber 
• Montaraz / Martín Estol
• Nacional B / Santiago Hafford 
• Ana / Sol Kutner